Christopher Nolan levanta nuevamente una superproducción de autor, de escala monumental, y la convierte en un acontecimiento cultural inmediato. La odisea se presenta a la vez como uno de los grandes estrenos del año y como una de esas películas que aspiran a quedarse en la conversación durante décadas.
Su rodaje en gran formato, su duración de 2 horas y 52 minutos y la recepción crítica inicial —96% en Rotten Tomatoes con 290 reseñas y 97% de aprobación del público verificado— apuntan a una experiencia entendida como evento, no como simple adaptación literaria. Nolan filma, más que una aventura mitológica, la persistencia de la épica en el cine contemporáneo.
La escala como lenguaje
Desde hace años, Nolan ha construido una filmografía basada en la idea de que la grandeza visual es una forma de pensamiento cinematográfico. El consenso de Rotten Tomatoes habla de una aventura antigua reinvigorada con “majestic sweep” y un trabajo coral que dota al mito de una humanidad primordial. La puesta en escena va más allá del tamaño del plano o de la espectacularidad del dispositivo IMAX: cada elemento —el mar, las armaduras, los monstruos, los espacios abiertos, la escala de la travesía— pesa simbólicamente sobre el espectador.
Cuando la película encuentra su ritmo, la monumentalidad deja de ser una promesa formal y se vuelve atmósfera, presión dramática, densidad del viaje. El espectador contempla el choque entre un hombre, el tiempo, la culpa y los dioses de la memoria, algo que excede con mucho la historia de un regreso.
Una adaptación sorprendentemente fiel
Uno de los aspectos más valiosos de la película es su relación con el texto de Homero. Las primeras reseñas destacan que Nolan evita “reescribir” el poema y, en cambio, busca imponer su sello sin desfigurar la arquitectura esencial del relato. La fidelidad opera en el plano estructural y espiritual antes que en la traslación literal escena por escena. El filme conserva el núcleo del viaje de Odiseo, el peso del retorno después de la guerra, la sucesión de pruebas, la astucia y la paciencia como principio de supervivencia y, sobre todo, la tensión entre gloria heroíca y desgaste humano.
La adaptación parece comprender que Homero escribió una meditación sobre el regreso, la pérdida, la identidad y el precio del heroísmo además de una aventura marítima. Llevar eso a pantalla exige seleccionar, condensar, desplazar y jerarquizar materiales; más aún cuando la fuerza original del poema depende de la oralidad, la repetición formularia y la estructura episódica. El mérito de Nolan estaría precisamente en haber encontrado una síntesis dramática capaz de mantener la densidad de la fuente sin sacrificar del todo el impulso del gran espectáculo.
El lado más débil
La película, pese a la recepción entusiasta, acusa algunos “tropiezos”. Varias reseñas admiten que el metraje es largo y que por momentos bordea lo pesado o lo ponderoso, aunque sin perder del todo el movimiento. El tema no es que sea larga, es que por momentos, y sobre todo al inicio, no se justifica del todo su prolongación. El arranque resulta más extraño y menos orgánico que el resto, como si la película necesitara un tramo inicial para acomodar sus piezas narrativas y encontrar su verdadera respiración.
Algo semejante ocurre con el sonido y la música. Aunque el conjunto técnico del filme ha sido ampliamente celebrado, parte de la conversación crítica ha girado en torno a una experiencia sonora excesiva o invasiva en algunas salas premium, un tipo de objeción que no resulta ajeno a la trayectoria de Nolan.
Cuando eso sucede, la banda sonora deja de reforzar la tensión interna de las escenas y empieza a competir con ellas, debilitando por contraste un dispositivo visual y dramático que, en casi todo lo demás, opera con precisión notable. Increíble hablar de Ludwig Göransson, ganador de tres Oscar a mejor banda sonora en menos de 10 años. Sin embargo, es humano…
Matt Damon y su cúspide
En una película de esta escala, el riesgo mayor es que el espectáculo devore al personaje. Una parte importante de la crítica ha destacado que el corazón del filme sigue estando en su elenco y, en especial, en la presencia de Matt Damon como Odiseo, presentado por varios medios como su mejor interpretación.
Esa lectura resulta plausible. Damon encuentra aquí un papel que le exige autoridad, desgaste, inteligencia estratégica y una gravedad moral poco común en el blockbuster contemporáneo. Si la película aspira a convertirse en una obra generacional, mucho dependerá de que su Odiseo permanezca en la memoria como figura dramática compleja antes que como héroe visual: un sobreviviente del triunfo, un hombre que vuelve de la guerra cargando la gloria y la ruina al mismo tiempo.
La actuación de Matt Damon es, por fin, su oportunidad real de disputar el Óscar como mejor actor. Se vuelve un contendiente muy serio. Su carrera, llena de grandes trabajos, puede encontrar la recompensa en este Odiseo, casi sin dudas el pináculo de su trayectoria. Esa combinación de estrella, héroe mítico y figura dramática compleja lo pone, con justicia, en el centro de la conversación de premios desde el propio estreno.
Nolan y la épica de esta época
La pregunta de fondo apunta tanto a si La Odisea es una gran película como a qué representa dentro del cine actual. Por escala de producción, prestigio crítico inicial y capacidad para convertir una adaptación de Homero en un evento global de gran formato, la película refuerza la idea de que Nolan ocupa un lugar singular en la industria contemporánea.
¿Es el mejor director actualmente? ¿Es Nolan el mejor de su generación?
Muy pocos realizadores pueden llevar hoy un proyecto de esta naturaleza a un estreno masivo sin depender de una franquicia previa o de una propiedad intelectual domesticada por el algoritmo. La valoración de Nolan como “director de la época” depende del prisma.
En el plano industrial, sí: hoy es prácticamente el único capaz de levantar presupuestos gigantes para proyectos de autor, no atados a franquicias, y convertirlos en eventos globales. En la comparación generacional, comparte el liderazgo con otros nombres —Villeneuve en la épica visual, Fincher o Tarantino en el rigor de diálogos y tensión—, pero es el más mediático y el que mejor sostiene el modelo de blockbuster adulto.
En el plano estrictamente cinematográfico, la crítica sigue dividida: su obsesión por la estructura temporal y ciertas decisiones de sonido generan discusión film tras film. Más que el “mejor” director en términos absolutos, se consolida como la figura central que sostiene la posibilidad misma de un cine a gran escala con pretensiones adultas.
La definición de “película generacional” gana credibilidad. Si el tiempo confirma la resistencia de sus imágenes, si su aproximación al mito envejece con la misma solidez con la que hoy impresiona, y si su lectura del retorno, la culpa y la memoria sigue encontrando eco en nuevas audiencias, La odisea podría instalarse como una de las epopeyas centrales del cine de la era digital. Sería la prueba de que la épica todavía puede renacer en el siglo XXI con aspiraciones verdaderamente contemporáneas, más allá de la simple adaptación prestigiosa.
Máster en investigación, arquitecto, novelista, ensayista y editor. Fundador de la Plataforma Fdh.
